Театр эпохи Возрождения

Театр эпохи Возрождения – одно из самых ярких и значительных яв­лений в истории всей мировой культуры. Его родиной была Италия XV ве­ка, где ученые-гуманисты, следуя примеру Петрарки и Боккаччо, занялись изучением древних авторов, в том числе великих греческих трагиков, комедий Аристофана, Теренция, Плавта. Со временем чисто исследовательский подход к античной драматургии дополнился практическим: ан­тичные герои снова выходят на театральные подмостки в постановках, осуществляемых учеными.

К концу XV столетия уроки античного театра дают первые творческие результаты, «ученую комедию» и «ученую трагедию». Написанные по примеру античных пьес, новые драмы на темы современной жизни постепенно все более смело отходили от древних образцов. Крупнейшими творцами новых драм, в первую очередь комедий, были Лодовико Ариосто, Никколо Макиавелли (его комедия «Мандрагора» явилась лучшей пьесой своего времени), Пьетро Аретино, Джордано Бруно.

Опыт «ученой» драмы, помноженный на богатую традицию площадного народного театра, в середине XVI века привел к возникновению итальянской комедии дель арте или комедии масок. Эти увлекательные веселые представления с песнями, плясками, комическими трюками, разыгрываемые бродячими актерскими труппами, стали высшим достижением итальянского театра эпохи Возрождения.

В основе комедии масок лежала импровизация: написанного текста в ней не было, имелся лишь сценарий с краткой сюжетной схемой. Актер сам, по ходу действия, импровизировал реплики от имени своего героя. Он делался творцом собственного образа.

Каждый персонаж – это конк­ретный социальный тип, заостренный до шаржа, с неизменными чертами характера и внешним обликом, то есть образ-маска. В комедии дель арте были маски слуг (веселый, разбитной Бригелла, добродушный глуповатый Арлекин и острая на язычок Сервета); маски господ (главный объект сатиры: жадный и спесивый венецианский купец Панталоне, трусливый и хвастли­вый Капитан, лжеученый из Болоньи – Доктор); и наконец, пара молодых влюбленных. Старики, как водится, мешали их соединению, но молодежи с помощью бойких слуг неизменно удавалось оставить их „в дураках”. Таким образом, исходя из ренессансной традиции, комедия дель арте избрала главным своим конфликтом столкновение между старым укла­дом жизни и здоровыми молодыми силами.

Каждый персонаж комедии масок говорил на диалекте своего города: Панталоне – на венецианском, Доктор – на болонском и т.д. Каждой маске соответствовал определенный театральный костюм. Например, блуза Арлекина пестрела заплатками, говорящими об его бедности, Капитан щеголял в полувоенном костюме испанского покроя с обязательной шпагой, которая всякий раз застревала в ножнах.

Новое театральное искусство почти мгновенно приобрело огромную популярность: за одно десятилетие 60-х годов XVI века театральные представления, бывшие до этого диковинкой, которую можно было увидеть лишь на редких придворных празднествах или в ученых собраниях, стали самым излюбленным народным зрелищем. Комедия масок явилась выразительницей массового народного мировоззрения, жизнерадостного свободо­мыслия широких слоев итальянского общества.

Выработав изначальные законы сценического искусства (непрерывное развитие действия, коллективность актерского творчества и т.д.), театр масок не смог перерасти в театр живых характеров. Новые герои, сильные, цельные, выражающие гуманистический идеал своего времени, впервые появились на театральной сцене не в Италии, а в Испании.

Сама национальная история, героические века Реконкисты – освободительной войны испанцев с завоевателями, арабами – сформировали тип такого героя. Его подвиги прославлялись в героических поэмах, эпических песнях, получивших название romancerо, романсы, потому что они были в Испании первыми поэтическими творениями на романском языке.

Идеальный герой в условиях Испании получил выражение в образе «человека чести». Он мог быть как знатным рыцарем, так и простым крестьянином, и в испанских драмах нередки случаи, когда герой низкого происхождения торжествовал моральную победу над дворянином, уронившим свою честь. Такое представление о чести было свойственно всей испанской драматургии, начиная с самых первых ее представителей.

Родоначальником национального театра в Испании считается Лопе де Руэда (1510-1565), скромный бродячий актер, создавший собственную профессиональную труппу и сочинявший для нее озорные коротенькие комедии – пáсос. Они отличались увлекательностью действия, меткостью жизненных наблюдений и богатством народной речи. Лопе де Руэда на практике утвердил жизненно-реальный материал как исходное начало драматического творчества.

Труппа Лопе де Руэда не была единственной. По свидетельству современников, по Испании пешком и на телегах путешествовало множество странствующих актеров, в репертуаре которых были комедии, пасторали и религиозные пьесы – а у т о.

Поначалу бродячие актеры выступали где придется, а с 60-х годов XVI века – во внутренних дворах домов, корралях. В 1579 году в Мадри­де появился первый специально оборудованный для представлений двор – Корраль де ла Крус.

Испанская драматургия не сразу стала полноценной литературой. Театр ждал прихода крупных талантов, способных соединить богатство сценического действия с яркими поэтическими формами, поднять испанс­кую пьесу на высоту современных литературных требований. Среди зачинателей новой драматургии следует назвать гениального автора «Дон Кихо­та» Мигеля Сервантеса. В своих пьесах он обращался к большим гражданским темам, прославлял патриотизм и свободолюбие. Ярким примером может служить героическая трагедия «Нумансия», посвященная истории древнего иберрийского города Нумансии. Защищая свой город от римских легионе­ров, его жители погибли все до одного, но не сдались врагу.

Лопе де Вега

И все же к высотам подлинной поэзии испанская драматургия подня­лась только в творчестве Лопе де Вега (1562-1635), Именно он ввел ис­панский театр в его «золотой век».

Испанцы обожали своего национального гения и гордились им. Сложилась даже поговорка: «Сам Лопе не сделал бы лучше», означаю­щая высшую похвалу, самое замечательное качество.

По числу созданных пьес Лопе де Вега превзошел всех драматургов мира. Считается, что их было более двух тысяч (сохранилось около 500). За исключением сорока ауто, священных действ, все они назва­ны комедиями, но это комедии нового типа. Лопе де Вега сам описал этот новый тип драмы в трактате «Новое искусство сочинять комедии в наши дни».

В новой комедии смешано возвышенное и смешное, трагичес­кое и забавное, поскольку и в жизни не бывает все трагично или все смешно: «Ведь и природа тем для нас прекрасна, Что крайности являет ежечасно». Ее язык выразителен и прост. Драматургический конфликт обычно строится на темах чести и подвига: «Нет превосходней тем, чем темы чести; Они волнуют всех без исключенья. За ними темы доб­лести идут, – Ведь доблестью любуются повсюду».

Диапазон сюжетов комедий Лопе де Вега очень широк: национальная история Испании, особенно героических времен Реконкисты; сопротивле­ние крестьян феодальному произволу; семейно-бытовые отношения; борь­ба влюбленных за свое счастье. И везде ощутима характерная для эпохи Возрождения вера в человека, в гармонию мечты и яви, любви и чести.

Театр Лопе де Вега – театр светлый, жизнеутверждающий. Он прославляет людей энергичных, активных, которые защищают свою свободу и честь, противостоят насилию, преодолевают сословные предрассудки и имущест­венное неравенство. Такова Лауренсия, героиня самой прославленной драмы Лопе де Вега «Фуэнте Овехуна» («Овечий источник»). Немного найдется в мировой драматургии произведений, равных этой пьесе по силе прославления восставшего и победившего народа. В основу ее сюжета положен исторический факт, бунт крестьян испанского селения Фуэнте Овехуна, убивших своего господина – тирана и насильника. Никто из жителей селения и под пыткой не выдал зачинщиков восстания. Даже старики, даже дети бесстрашно говорили, что командора убил весь на­род Фуэнте Овехуна.

В этой драме Лопе де Вега объединил в идее чести и личную добро­детель людей, и осознание народом своих прав. Если Лауренсия и Фрондосо, ее жених, вступают в борьбу, отстаивая свою любовь и достоинст­во, то в ходе действия личный протест перерастает в социальный, в борьбу крестьян за свободу.

Гуманистическая идея равенства людей с особой силой утверждала себя в любви. Там, где родились истинные чувства, социальные приви­легии теряют всякий смысл. Одной из лучших комедий Лопе де Вега, по­священных теме большой любви, ломающей сословные преграды, является «Собака на сене». Ее героиня, графиня Диана, влюбляется в своего слугу, секретаря Теодоро. Он – человек низкого происхождения, но умен и благороден, и Диана с радостью выходит за него замуж.

Шекспир

Своей вершины театр европейского Возрождения достиг на английской почве, в творчестве Вильяма (Уильяма) Шекспира (1564-1616). Шекспир начал свою деятельность драматурга в конце XVI века в обстановке национального подъема, вызванного войной с Испанией и разгромом «Непобедимой армады» Филиппа II (1588). В это время театральное искусство Англии переживало пору бурного расцвета. В Лондоне работала целая плеяда талантливых драматургов-гуманистов, так называемых «университетских умов» – К. Марло, Дж. Лили, Т. Кид, Р. Грин, которые создали вольную и широкую форму английской драмы, вмещавшую историчес­кие, легендарные, бытовые сюжеты. Все они были профессиональными пи­сателями, людьми весьма образованными, с демократическими взглядами. Их творчество ориентировалось на зрителей народного площадного театра.

В конце XVI века в Лондоне одна за другой возникли актерские труппы, игравшие для простого народа сначала во дворах гостиниц, а за­тем в специальных театральных зданиях. Первое из них построил актер и предприниматель Джемс Бéрбедж, назвав его «Театр». Вскоре на окра­ине английской столицы появились и другие театры со звучными назва­ниями: «Роза», «Лебедь», «Глобус» (в котором протекала деятельность Шекспира), «Фортуна», доступные широчайшим массам зрителей. На каж­дый спектакль собиралось до 1500 – 2000 человек, в основном ремеслен­ный люд. Таким образом, английская драма эпохи Возрождения выросла на подмостках общедоступного демократического театра и была связана с жизнью народа.

Для лондонских простолюдинов писал и Шекспир. Его перу принадле­жит 37 драматических произведений – комедий, исторических хроник, трагедий, а также поэмы и сонеты. Предназначая свои пьесы для теат­рального зрителя, не для читателя, он писал их для вполне определен­ной труппы, актером которой был сам, труппы театра «Глобус», руко­водимой Ричардом Бербеджем. Бербедж, превосходный трагик, стал пер­вым в мировом искусстве Гамлетом, Отелло, Макбетом, Лиром...

Современник бурной, насыщенной событиями эпохи Шекспир пережил сложную эволюцию как мыслитель и как художник. Его путь в драматур­гии начался с исторических хроник и комедий. Хроники – пьесы на ис­торические сюжеты – были в Англии одним из самых популярных жанров. Шекспировские исторические хроники («Генрих VI», «Ричард III», «Ген­рих IV» и другие) запечатлели «смутное время» английской истории: кризис феодального общества, междоусобные распри времен Алой и Белой розы¹, трагедию национальных бедствий, раздоров и мятежей.

Изображение коварных интриг и злодейств проникнуто в этих пьесах осуждением феодальной анархии и кровавой жестокости. Им противопоставляется целостное государство, управляемое мудрым королем.

Комедии Шекспира – «Укрощение строптивой», «Сон в летнюю ночь», «Много шуму из ничего», «Двенадцатая ночь» – это чудесная сказка, добрая и гуманная в своей основе. Она уводит от тревог и страданий в счастливый мир, где все цветет и благоухает, все полно солнечного света, музыки и, конечно, любви. Если появляются досадные помехи счастью, то они преодолеваются без особых усилий. В отличие от тра­диционной обличительной комедии, высмеивающей человеческие пороки, шекспировские комедии в целом не сатиричны. Звучащий в них смех выражает радость жизни и кипучее веселье здоровых, счастливых людей.

Духом оптимизма проникнута и трагедия «Ромео и Джульетта», написанная до 1600 года (1595). Судьба ее юных героев трагична, однако зритель не только потрясен их гибелью – он переживает чувство восхищения. Как прекрасен человек, как прекрасна его любовь!

Но постепенно оптимизм Шекспира уступает место трагическому прозрению. Созданные в начале XVII века великие трагедии «Гамлет», «Отелло», «Король Лир», «Макбет» явились художественным постижением веду­щих тенденций своего времени, времени кризиса Ренессанса, трагического разочарования в силе и благе разума. Содержание этих трагедий выражено самим Шекспиром в словах Глостера из «Короля Лира»:

«Любовь остывает, слабеет дружба, везде братоубийственная рознь». Шекспировским героям становится ясно: мир безнадежно болен, жизнь сплетена из лжи, фальши и жестокости. Напрасно убеждать себя в том, что есть выход. Гамлет, Отелло, Лир обречены. Повсюду господствуют Клавдий, Яго, Эдмонт.

Гамлет понимает, что дело не в самом факте убийства его отца, а в том, что это убийство могло осуществиться и остаться безнаказанным лишь благодаря попустительству всех окружающих. Для совершения мести ему пришлось бы бороться с неправдой всего мира:

«Век расшатался; и скверней всего, Что я рожден восстановить его». Однако подобная задача непосильна даже для самой могучей личности.

Зло царит не только в обществе, оно губит человеческие души. Жаж­да власти сокрушает некогда храброго и честного воина Макбета, под­лость и коварство отравляют веру в идеал благородного Отелло. Шекспи­ровским героям уже не свойственна цельность, они полны противоречий.

Вместе с тем, не строя иллюзий и зная роковой исход борьбы, Шекс­пир никогда не оставляет победу за злодейством. Он заставляет своих героев сопротивляться злу: погибая, они уходят из жизни несломленны­ми. Сознавая недостижимость своих идеалов, Гамлет протестует против «мира – тюрьмы». Ценой страшных страданий, ценой великой жертвы возвращает себе веру в любовь, чистоту человеческих отношений Отелло.